voltechparty

VP44: Major Village Free Voltech Party

2007-08-22T23:59:00.000Z

Si alguien no lo remedia, Voltech se nos va de vacaciones a las tierras de Aragón, donde las noches de verano son frescas, limpias y estrelladas. La VP44 se va a las fiesteras tierras mañas para poner del revés a los mozos y las mozas de la comarca de Matarranya, en el Teruel colindante con Castellón y Tarragona. Voltech se va de Fiesta Mayor a la plaza Mayor de La Fresneda, que tiene su representación en cartón piedra en el Pueblo Español de Montjuic. Los que asistimos al Primavera Sound del 2001 que allí se celebraba, vamos a sufrir un curioso y flipante flashback en esta VP44 del 22 de Agosto de 2007. Por que resulta que parte de esa plaza mayor donde se celebrará la VP44, es una joya renacentista que está replicada en la Plaza Mayor del Poble Espanyol.

Esa réplica de pastel del Ayuntamiento de La Fresneda fue testigo de cartón-piedra de una legendaria sesión de Armand Van Helden del 28 de Abril de 2001,

sesión que le costó 6 millones de las antiguas pesetas al Primavera que lo contrató, y que a pesar de tan abultado dispendio, o quizás por eso, resultó deslucida, por que no contó con un juego de luces a la altura de las circunstancias. Pero esta VP44 en la plaza mayor de piedra de verdad, en La Fresneda en la comarca de Matarranya de Teruel

va a relucir con no se cuantos miles de vatios de potencia de sonido, cabezas móviles de luces, estroboscopios, focos y demás parafernalias de efectos sinestésicos que darán brillo y esplendor a lo que será una sesión memorable de VoltechParty. Y no será la única del verano. La incursión de VP por tierras aragonesas llegará a Imperia Drink el 25 de agosto en la provincia de Huesca, limítrofe con Lleida. Pero esta ya es toda otra historia.

VP35: DE LOS PRINCIPIOS DEL MINIMAL, AL MINIMAL SIN PRINCIPIOS

2007-02-16T23:59:00.000Z

En este artículo se recorre la historia de la música minimal, se describe su evolución electrónica y se analiza el porqué de su súbita popularidad.

PRINCIPIOS DEL MINIMAL

La electrónica permite grabar muestras de sonidos (samplers), distorsionarlos, trocearlos, enlazarlos en loops y repetir esos loops obstinadamente. La música es la ordenación de sonidos en el tiempo, y si esos sonidos han sido obtenidos, secuenciados o procesados por medios electrónicos, estaremos en los dominios de la música electrónica. Las materias primas que se procesan mediante la electrónica pueden ser sonidos de origen acústico, como la voz humana o los instrumentos musicales tradicionales, o pueden ser sonidos completamente virtuales como los producidos por un sintetizador.

La música electrónica se popularizó en los 80s de la mano del house, el techno, el hip-hop y el breakbeat. Estos géneros se basaban en el procesado y la combinación en proporciones variables de sonidos acústicos por un lado, y virtuales por otro. El acid house por ejemplo, utilizaba samples de baterías, bombos, platillos y voces combinándolos con el sonido “ácido” de la TB303, un sintetizador de líneas de bajo al que se hacía sonar acelerado y distorsionado para forzar tonos anormalmente agudos y ritmos burbujeantes. Al contrario del house, en el techno predominaban los sonidos virtuales electrónicos puros, siendo más limitado el uso de muestras (samplers) de instrumentos acústicos como bombos o platillos.

Según la wikipedia inglesa

el minimal techno es un subgénero minimalista de la música techno que se caracteriza por su desnudez, sus ritmos a base de percusiones electrónicas puras, un compás 4/4 (cuatro tiempos por compás), 120-135 bpm, la repetición de loops cortos y los cambios sutiles.

Se entiende por percusiones electrónicas puras aquellas que no tienen relación con instrumentos acústicos al uso como tambores, platillos, bombos, bongos o congas. Así fue en el origen del techno de Detroit, lo que le diferenciaba del house de Chicago. Las nuevas tendencias buscan nuevos sonidos y nuevas frecuencias (a menudo más agudas) con las que percutir el ritmo con algo diferente a un bombo o un bajo sampleado. Entre esos nuevos sonidos destacan los chasquidos, crujidos y rasgados sintéticos. Aquí los samplers que marcan el ritmo corresponden a sonidos considerados hasta entonces como defectuosos o atípicos, tales como el crujir de un vinilo deteriorado, el rozamiento de la aguja al rasgar el surco hacia delante y hacia atrás, o el chasquido eléctrico de un interruptor.

La música electrónica más vanguardista trabaja con este tipo de sonidos virtuales: rasgados (scratch), interferencias (glitchs), chasquidos y cortes (clicks´n´cuts). De ahí el nombre de algunos géneros novedosos como el clicktechno, clicks´n´cuts y el glitchcore. Sin embargo, hoy en día la etiqueta minimal se utiliza como comodín para englobar todos esos sonidos y estilos.

Pero el concepto de música minimal es más antiguo que el techno, el house y que el mismísimo Rock & Roll. La música compuesta hace un siglo por Debussy y sobre todo por Erik Satie se definía como minimalista, pues era simple, atonal, y repetitiva. A Satie también se le considera precursor del ambient, y es que minimal y ambient son estilos gemelos que nacieron y evolucionaron juntos durante buena parte de su existencia.

Pero el concepto de arte minimalista no se popularizó hasta bien entrado el siglo XX. En esta época que nos ha tocado vivir de tecnología aplicada y cambio permanente, las potencialidades artísticas se desarrollan vertiginosamente, y las explosiones creativas se alternan con sus correspondientes podas selectivas.

Fue en uno de estos procesos de poda selectiva cuando nació el actual concepto de arte minimal. Al estallido creativo del pop art de los 60s le sucedió el gélido rigor del minimalismo. Compositores como Steve Reich y Terry Riley sentaron las bases y seguidores como Philip Glass (Naqoyqatsi) lo popularizaron.

Los minimalistas imitaban la música electrónica con medios acústicos o fusionaban ambos medios. Y como los medios con los que contaba aquella primera música electrónica eran muy limitados, aquel género que de ella derivaba nació simple y elemental y se le bautizó como minimalista. Así es que el minimal estaba presente desde el principio en la música electrónica. Pero no fue hasta veinte o treinta años después, a principios de los 90s, cuando nace el minimal techno. Mike Ink, Richie Hawtin aka Plastikman y Thomas Brinkmann evolucionaron el primer techno de Detroit en sentido contrario a la tendencia general, esto es, regresando a las formas elementales, al esqueleto de la estructura musical.

Los 90s fueron años de creatividad expansiva en la música electrónica de baile, y aquel experimento minimal, más apropiado para ser escuchado y analizado que para ser bailado, quedó relegado al disfrute de unos pocos.

La última edición impresa de la “All Music Guide to Electrónica” no tiene entre sus miles de referencias el término “minimal”, aunque si tiene tres referencias al minimalismo de los 70s. “Loops Una historia de la música electrónica” tampoco cuenta con el minimal entre sus referencias, pero lo cita en un par de ocasiones hablando de “un techno al borde del minimalismo” para referirse a la evolución de Plastikman y Mike Ink. Otros libros anglosajones de cultura dj tampoco recogen el nuevo género. Pero si uno ojea las últimas ediciones de las revistas especializadas, el minimal resulta ser uno de los términos más citados. La búsqueda en Google del término “techno” “music” arroja 22.000.000 referencias, mientras que la de “minimal” “music” resulta ser de 19.500.000, muchísimas en comparación con las 220.000 del término “microhouse” o los 2.000.000 de “trance” “music”, por ejemplo. Atendiendo a estos resultados, la especie minimal que hasta ahora se consideraba una de tantas ramificaciones periféricas del techno, parece estar creciendo hasta convertirse en un tronco principal.

MINIMAL SIN PRINCIPIOS

Pero si la “minimal art music” estaba en el origen mismo de la música electrónica, y si la etiqueta “minimal techno” ya lleva quince años rodando por ahí ¿Cómo se explica esta repentina explosión del término? ¿Es una verdadera revolución musical o es más bien una estrategia de marketing? A falta de una definición más precisa de lo que es minimal, la wikipedia inglesa acaba su referencia con una reflexión interesante:

En la segunda mitad de 2006 el término minimal se ha vuelto contradictorio, pues sirve como denominador para los sonidos tech house del momento, muchos de los cuales debieran etiquetarse como “máximal” en términos de contenido sonoro, en contraste con el desnudo género electrónico minimalista

Si el concepto minimal se populariza en los clubs de música electrónica de baile, quizás es que el minimal ya no representa aquella música ambient, experimental y elemental más apropiada para ser escuchada que para ser bailada. A no ser que éste sea el objetivo último de la nueva fiebre minimalera: que la gente baile menos y escuche más.

Si así fuera el minimal representaría una reacción a los excesos del pasado y asistiríamos a un fenómeno similar a la resaca de la música disco de los primeros 80s, cuando el eslogan “disco sucks” resumía la nueva moda antidisco en la que el rock, como música discursiva que era, se imponía a la que se consideraba frívola y decadente música de discoteca. Si de lo que se trata ahora es de apaciguar la pista de baile, el minimal reflejaría una tendencia retrógrada, puritana y fundamentalista en lo estético, esto es, de retorno a la pureza de los fundamentos de la música electrónica, a sus orígenes experimentales menos eufóricos, y si ese retorno a los orígenes refrena el baile significará también un movimiento retrógrado en lo moral (bailar es pecar).

Esta nueva ola minimalista anuncia tres posibles escenarios. El primero es el del minimal ortodoxo y sectario, en el que este estilo se consolida fiel a sus principios como música minoritaria para escuchar más que para bailar, y se limita a sonar en algunos pocos clubs o en horarios de pre y post fiesta, dejando para géneros más enérgicos las horas centrales de las sesiones de baile.

El segundo escenario es el del minimal ortodoxo y misionero, en el que este género musical sigue sin renunciar a su espíritu experimental y ambient, pero a diferencia del caso anterior los apóstoles del minimal se dedican a predicar la buena nueva y convierten al ascetismo, la sobriedad y la contención del minimal a las masas de fiesteros libertinos. Las salas de fiestas se convierten en lugares para el recogimiento y la devoción al nuevo estilo musical.

En el tercer escenario, el del minimal heterodoxo y comercial, el minimal sería una marca de moda para etiquetar el new techno que evoluciona a partir de géneros ya conocidos, y englobaría buena parte del techno y house que se hacen en la actualidad y que incorporan en alguna medida los nuevos sonidos tipo clicks´n´cuts, glitch y scratch, pero este minimal comercial no renuncia a los graves potentes para marcar el ritmo en la pista de baile. Este minimal heterodoxo que se gana el favor de los clubbers más bailongos se aleja claramente de los fundamentos del minimal techno de los primeros 90s. Este minimal comercial responde a los principios marxistas de Groucho cuando decía aquello de: “Estos son mis principios. Si no le gustan tengo otros” (para que se entienda; este minimal no es minimal).

Estamos en un momento en el que el minimal ortodoxo y sectario ha dado paso al heterodoxo y comercial (con algunas dosis de ortodoxia misionera). Asistimos a la promoción de una marca. Y es que de todos los nombres que han recibido los nuevos géneros musicales electrónicos ninguno tiene la musicalidad, cosmopolitismo, elegancia y elitismo del término MI-NI-MAL. Frente a una marca tan brillante, palabros como microhouse, clicktechno, clicks’n’cuts o glitchcore tienen pocas posibilidades de éxito.

Richie Hw y Riqui Vb haciendo el minimal

VP29: Emociónate con nosotr@s

2006-09-10T23:59:00.000Z

En el 1865, acabó la guerra civil norteamericana y los afroamericanos dejaron de ser esclavos. Aquella fue una libertad más formal que real pues pasaron de la esclavitud a una servidumbre impuesta por un orden social racista. Pero al menos en las formas, todos eran iguales. A partir de entonces las bandas militares incorporaron músicos negros que desfilaban tocando marchas patrióticas. Como disfrutaban de verdad aquellos músicos, era improvisando sus propias melodías y ritmos, ejercitando la auténtica libertad, la libertad expresiva y creativa. Así nació el jazz, como ejercicio genuino de libertad.

En el siglo que vendría después, buena parte de la música de raíces europeas, la música que las élites consideraban culta, languideció en los conserva-torios. Mientras tanto, la música de raíces africanas evolucionaba desde la base social, a menudo en la marginación, producida e interpretada por músicos que a menudo carecían de conocimientos musicales formales. La música de origen africano se propagó con tanto éxito, evolucionó y se diversificó en tantos géneros por que era popular. Gustaba por que era música que emocionaba. La evolución de la música rítmica de origen africano que va del jazz y el blues al gospel, rythms & blues, soul, rock, funk y que acaba desembocando en la actual revolución de la música electrónica, también se puede analizar desde el ámbito emocional.

La tristeza

La ictericia es un síntoma de enfermedad que intensifica la palidez del hombre blanco y da un tono azulado a la piel del hombre negro. Enfermedad y tristeza suelen ir de la mano. Así en el argot negro “blue” es sinónimo de triste, siendo el blues la música triste de los negros. Janis Joplin popularizó el blues entre los jóvenes blancos. Janis fue la primera mujer que desafió el machismo imperante en el mundo del rock. En sus canciones le gritaba a un mundo que ni comprendía ni aceptaba sus sentimientos. Representante de la contracultura de los 60s, bisexual y aficionada a las drogas duras, sus padres, unos tejanos conservadores, manifestaron que preferían no haberla tenido. Janis Joplin se despidió de este mundo con una sobredosis de alcohol y heroína un 4 de octubre de 1970. Tenía 27 años y dejó el eco de su grito reverberando en las conciencias de quienes fueron incapaces de comprender su sufrimiento.

http://www.youtube.com/watch?v=0H9qVvnigGY

La alegría

Esa marginalidad triste que Janis Joplin popularizó en los 60s con su blues, tenía un alter ego alegre (gay), optimista y revolucionario. La homosexualidad se había considerado en el mejor de los casos una enfermedad y en el peor un crimen vergonzante.
Tras una redada en el local Stonewall Inn de Greenwich Village, el 28 de junio de 1969,
http://www.columbia.edu/cu/lweb/eresources/exhibitions/sw25/case1.html
hartos de ser extorsionados y reprimidos, los gays de Nueva York se pusieron serios, salieron del armario y se enfrentaron a la policía. Dos días de disturbios y ya nada volvería a ser igual. La municipalidad tomó buena nota y a partir de entonces el colectivo homosexual empezó a ser respetado por la policía. Aquel mismo año Continental Baths, unas lujosas termas de Broadway, habían sufrido sendas redadas con decenas de detenciones por conducta inmoral. Continental Baths, además de baños y saunas disponía de una discoteca con un potente sistema de sonido. Y sus maestros de ceremonias eran Larry y Franckie, una pareja de djs a los que siempre se veía juntos y que en el decenio que estaba por venir iban a revolucionar la música de baile. Aquel templo del placer fue la escuelita donde se formaron los artífices de la revolución hedonista del disco y el house. Larry Levan se consagró años después en el Paradise Garage de NY con su selección ecléctica de música disco, HI-Energy y postdisco (o pre-house).

http://www.youtube.com/watch?v=hBWDQqITKbs
¡Que alegre sonaba la selección de Levan! con aquel “Let yourself go” de las Supremes: déjate llevar y disfruta del momento.
http://www.last.fm/music/The+Supremes/_/Let+Yourself+Go
Y Frankie Knuckles hizo lo propio en el Warehouse de Chicago, produciendo con rudimentarios medios electrónicos la primera música disco casera, aquella que las discográficas no querían darle y que su pista de baile reclamaba. Había nacido el house.

http://www.youtube.com/watch?v=Y7UCRNTtgis

El paroxismo (subidón)

Mientras se fraguaba la revolución del house de los 80s, el EBM (Electronic Body Music) europeo

http://www.youtube.com/watch?v=5LUHFA_kRFM
y el techno de Detroit llevaron hasta sus últimas consecuencias las posibilidades electrónicas para propulsar la pista de baile. Se trataba de sacar al genio de la lámpara (de vacío), o mejor dicho, de liberar el espíritu del microchip.

http://www.youtube.com/watch?v=ijhjpBZFtX4
Así las melodías alegres fueron sustituidas por ritmos más puros y contundentes en los que el “dejarse llevar” eufórico de la música disco y house daba paso al paroxismo del techno.
En lo sucesivo el techno se aceleró e incorporó nuevos sonidos, se hizo más duro, hardcore, makina (o zapatilla, según sus detractores), hasta alcanzar la temperatura de fusión del ego, ésta que conduce a la catarsis colectiva.

http://www.youtube.com/watch?v=wofqACbUEBE
Estas versiones más duras fueron complementadas por otra modalidad más melódica, ambiental, étnica y hasta espiritual que aun siendo más melosa, conservaba en buena medida la capacidad de inducir estados alterados de conciencia. Por eso se la llamó Trance.
http://www.youtube.com/watch?v=g48P8AemEXY

http://www.youtube.com/watch?v=5144-MQV0bU

Inteligencia emocional

Como alternativa a este estado de cosas, por cansancio ante fórmulas ya conocidas, o quizás por la creciente presión de medios sensacionalistas que denunciaban aquellas orgías de música desenfrenada, un grupo de críticos y productores decidieron distanciarse de aquel techno tan orgiástico. Aquella emoción desatada, emoción comunal, primitiva y a la vez maquinal debía contenerse. El intelecto debía retomar las riendas del asunto. Y así nació un techno que fue etiquetado como “inteligente” o “intelligent dance music” (IDM).

http://www.youtube.com/watch?v=5HpYUHvdgUI
El minimal techno ya apuntaba en esa misma dirección, música electrónica para ser escuchada más que para ser bailada.
http://www.youtube.com/watch?v=t2djVqo_T9g
Quienes llamaron a esta modalidad musical “inteligente” estaban reproduciendo el modelo jerárquico y excluyente en el que una élite se arrogaba una supuesta superioridad intelectual sobre unas masas embrutecidas. Punto de vista que contradice la opinión de uno de los padres del techno de Detroit, Derrick May, cuando decía aquello de: “techno is underground dance music”.

Música Viva

A pesar de estas etiquetas más o menos afortunadas, la realidad es que la música electrónica de baile es arte vivo, y sus productores y djs no renuncian a su componente emocional, el que ha propulsado su evolución. Se trata de conjugar inteligencia y emoción, por que ambas son parte del proceso creativo. Y esto es tan aplicable a la música para bailar, como a la música para escuchar.
La sesión de VoltechParty de este tercer aniversario promete ser una buena muestra de música viva. Una buena combinación de inteligencia, emoción, y... subidón
http://www.youtube.com/watch?v=1GHTKRGG_Is&mode=related&search=

VP28: Que la musica no pare

2006-07-29T23:59:00.000Z

En inglés “jockey” es el agente que monta un caballo de carreras a cambio de una comisión. No se sabe con certeza cuando se utilizó por primera vez el término “disc jockey” para referirse a quien pone los discos, ni por que se le llamó así y no de otro modo. Pero un repaso a la historia facilita algunas pistas. Corrían los años 30, en los EE UU la gran depresión se agudizaba y las casas discográficas que vivían de vender un producto superfluo, veían sus ventas menguar año tras año.

Las discográficas culpaban a los djs de la radio de la caída de las ventas (¿quien iba a gastarse dinero en comprar un disco que sonaba a diario en la radio?). Consiguieron que se prohibiera la emisión de discos, pero con ello favorecieron el surgimiento de nuevas compañías hasta entonces marginales, editores de música negra que se aliaron con las hambrientas emisoras de radio y llegaron a acuerdos de emisión.

www.radiohof.org/discjockey/martinblock.html

El disc jockey cabalgaba con su voz entre los discos, de ahí su nombre. Su verborrea servía tanto para vender herramientas de bricolaje como gomina para el pelo. Y desde luego servía para promocionar discos. Por eso las canciones debían ser cortas, de alrededor de tres minutos, para que el dj pudiera insertar entre tema y tema su mensaje publicitario, o un chiste o la referencia musical que se le ocurriera, por que él era “jinete de los discos” y rey de las ondas.

Cuando aparecieron los primeros clubs de baile que sustituyeron la música en directo por música enlatada, resultó que aquel formato de tres minutos, ideal para el medio radiofónico, resultaba demasiado breve para la pista de baile. En los clubs de los 60s cuando la pista empezaba a calentarse con un buen tema de baile, la música llegaba a su fin y se hacía el silencio hasta que el dj daba entrada al siguiente tema.

Francis Grasso fue el primer dj moderno, dj de club, que en el 1969 desarrolló las técnicas de mezclado de discos con el fin de evitar esas molestas interrupciones.

Desde luego el formato de canciones de tres minutos resultaba inadecuado para dinamizar la pista de baile. Fue a principios de 1973 cuando se edita el primer tema alargado para satisfacer las necesidades de l@s danzantes. Es la primera remezcla de la historia. Frank Wilson produjo “Girl you need a change of mind” de Eddie Kendricks. Duraba siete minutos y medio, y se trataba además del primer tema de música disco específicamente construido para ser bailado.

http://www.youtube.com/watch?v=OpWeV4Kfyb0&search=Kendricks

Las tradicionales canciones de tres minutos, hechas para ser escuchadas, tenían estrofas y estribillos que transmitían un mensaje claro y directo cuya repetición resultaba redundante. Pero los nuevo temas de la música disco debían ser escuchados con el cuerpo en movimiento y por eso debían alargarse lo suficiente para inducir el trance orgiástico característico del baile.

Curiosamente quien consolidó la técnica de la reedición fue Tom Moulton, que sin ser ni dj ni productor (era modelo publicitario) construyó una cinta con 45 minutos de música de baile sin interrupciones a base de enlazar temas de tres minutos reeditándolos con un primitivo sistema de cortar y pegar. Se estrenó profesionalmente con el tema de BT Express “Do It till you’re satisfied”, a mediados de 1974, una reedición que alargaba el tema de 3:09 a 5:52, y que propulsó aquel buen tema de Rythm & Blues que habría pasado desapercibido para la mayoría, a la segunda posición de superventas. Aquel éxito mostró el camino a seguir, y las discográficas se lanzaron como locas a producir reediciones bailables de temas conocidos. El fenómeno “disco” había estallado.

http://youtube.com/watch?v=4zGqpftUYfg&search=gaynor

Pero donde Moulton se consagró de verdad, fue con la reedición de “Never Can say goodbye” de Gloria Gaynor, fusionando tres temas del mismo LP en un tema bailable que duraba 18 minutos. Según comentaba, se trataba de hacer un tema lo suficientemente largo como para que el dj pudiera ir al baño. Pero a la Gaynor no le gustó. Se sentía dolida por que en la redición “no cantaba demasiado”. Las nuevas técnicas de la música disco propulsaron la figura del dj/productor a costa de músicos y cantantes.

La técnica de la reedición trata de descomponer la estructura secuencial del tema y recomponer los fragmentos para que sea más bailable. Se trata de reducir los fragmentos discursivos, alargar los que propulsan la pista de baile y cambiar el orden de manera que se amplifique el efecto catártico (subidón). La técnica de la remezcla incorpora a todo esto el desfibrado fino de la estructura musical, separando los componentes simultáneos: bajo, bombos, platillos y toda la panoplia de timbres, tesituras y texturas que forman parte del ritmo y la melodía.

Pero aquello sólo fue un aperitivo. El progreso tecnológico no se detiene y la revolución digital sigue floreciendo. Las nuevas tecnologías ya no se utilizan únicamente para producir música en el estudio de grabación, sirven también para intercambiar y distribuir música, para reproducirla e incluso para producirla en directo. El futuro de la música electrónica sigue abierto, y con él, también sigue abierto el futuro del dj.

A lo largo del siglo pasado el dj pasó de poner discos en la radio para amenizar los mensajes publicitarios, a poner discos en salas de fiestas, a reeditarlos y remezclarlos, y finalmente a producirlos enteramente. Es una figura que no ha dejado de crecer hasta alcanzar las estrellas. Algunos pocos djs se meten en el bolsillo decenas de miles de euros por unas pocas horas de trabajo.

La VP28 Summer Session se aparta de ese mundo comercial y vuelve a la esencia que propulsó la evolución de la cultura DJ con la selección de Roger B y Xavi BRK y la producción de Mendel-live, tres estilos representativos de lo último en música electrónica de baile.

http://www.youtube.com/watch?v=1GHTKRGG_Is&search=voltech

VP27: VOL-TECH-HOUSE

2006-06-24T01:00:00.000Z

LA MUSICA DE LA CASA

Alguien le pone un nombre acertado y ya tenemos un nuevo género musical. El nombre funciona por que responde a una realidad, la define, la aclara y a partir de entonces todo el mundo lo utiliza para referirse a ese género musical. Sucedió con la música de baile electrónica desde un buen principio.
El house era la música de la "casa". Era música cocinada en casa para distinguirla de la música comercial, de la música que imponían las compañías discográficas. Claro que la música house también significaba "tipo de música que suena en el Warehouse".

La música "house" era música casera, producida por jóvenes seguidores de Frankie Knuckles y Ron Hardy, productores y djs creadores del género que pinchaban la creciente producción de sus discípulos.

Era música compuesta en el dormitorio de casa convertido en improvisado estudio. Música casera producida con juguetes electrónicos, sintetizadores y cajas de ritmos. El “house” era la nueva música disco, hecha con aparatos electrónicos baratos, o al menos suficientemente baratos como para que los pudieran comprar y utilizar jóvenes productores aficionados.
Era música "de la casa", y era la música que sonaba en el Warehouse de Chicago. Así es que a nadie puede extrañar que aquel concepto del "house" se impusiera con naturalidad.
El "house" había sido nombrado, había nacido como idea, y a partir de entonces sería reconocido por todo el mundo e identificado con la vanguardia de la música de baile. Era la vanguardia pero también era la venganza de la música disco que se revelaba contra la represión de la música troncal (mainstream), el rock, que había intentado liquidarla cinco años antes. La música troncal era acústica, discursiva y apenas orgiástica y se reconocía en el paradigma del rock.

DISCO SUCKS

Tras el fulgurante éxito de la película/álbum "Saturday Night Fever" (1977) que vendió 30 millones de copias, la música disco acabó en una resaca fenomenal, en una campaña de difamación. La reacción antidisco fue, cuando menos, seguida con complacencia por las grandes compañías discográficas. Se puso de moda el eslogan "disco sucks" (la música disco me la chupa).

Aquella música de baile lo tenía todo en contra: se consideraba superficial, artificiosa e inauténtica pues estaba hecha con máquinas y técnicas de estudio que devaluaban a cantantes y músicos. Además era afro, hortera y andrógina. En dos palabras, la música disco era negra y maricona. A John Travolta le costó caro haber protagonizado a Tony Manero, el rey de la disco Odisea en Saturday Night Fever, desterrado durante más de dos décadas hasta que Tarantino le rescató para su irreverente Pulp Fiction.
http://www.youtube.com/watch?v=_5fzOul5GbA&search=mancuso

Fue en Chicago donde la histeria antidisco llegó al extremo de organizar una “Disco Demolition Night”. El dj Steve Dahl y el promotor de baseball Mike Veeck organizaron la quema de miles de vinilos de música disco en el intermedio del partido del jueves 12 de julio de 1979. El alboroto fue tal, que el encuentro fue suspendido por peleas y hogueras en el terreno de juego y las gradas.

http://www.youtube.com/watch?v=T9BWytvylfo&search=Disco%20Sucks

Así estaban las cosas a principios de los 80s, en plena resaca antidisco. Así es que no es de extrañar que Nuckles y Ron Hardy se buscaran la vida para animar sus sedientas pistas de baile. Si las discográficas no eran capaces de facilitarles música disco de nueva hornada por que la música disco ya no estaba de moda, ellos tuvieron que hacer sus apaños caseros, y con aparatos electrónicos y a base de "cortar" y "pegar" cintas magnetofónicas, tal era la tecnología de los primeros ochenta, se montaron sus bucles a base de reeditar y remezclar, distorsionando con efectos electrónicos, rellenando con graves líneas de bajo y cajas de ritmos, acelerando las revoluciones, y todo ello para conseguir una música disco casera y resultona, capaz de propulsar la pista de baile. Esa música de la casa era la música "house". Y tanto gustaba aquella revuelta de bailes orgiásticos, aquel pataleo contra la tiranía de las discográficas y su imposición de música sobria y discursiva, que el estilo “house” salió como un vendaval del afterhours negro y gay en el que había nacido, el Warehouse, y se extendió por las salas que le tomaron el relevo, Music Box donde pinchaba Hardy y Power Plant donde continuó Knuckes.

http://www.youtube.com/watch?v=QRyetKzxWAw&search=Frankie%20Knuckles
Los clubes de Chicago que querían dar testimonio de estar a la última, de estar en la revuelta contra las discográficas, ponían aunque fuera escrito a mano con rotulador de punta gruesa: "tenemos música de la casa", "gotta have house", igual que los buenos restaurantes atraen a su clientela anotando en la pizarra el menú de la casa para distinguirlo de la comida industrial de las grandes cadenas de la hamburguesa y el pollo frito.

Y así nació el house como concepto. Música de la casa, música independiente, música que se revelaba contra los dictados de las grandes compañías discográficas.

DEL TECNOPOP AL TECHNO

El concepto clarifica pero también simplifica. La historia del concepto "techno" nació de forma menos espontánea. Los tres mosqueteros del estilo house de Detroit, Juan Atkins, Derrick May y Kevin Saunderson, producían y colocaban su música de baile electrónica en la vecina y superclubera ciudad de Chicago.

Entusiastas de las posibilidades tecnológicas de las nuevas máquinas para la síntesis musical, alejados del explosivo ambiente de Chicago, estaban dando forma a una modalidad de house con personalidad propia, donde se prescindía de los platillos y donde el ritmo predominaba sobre la melodía, y los efectos electrónicos se llevaban al extremo que la tecnología permitía en cada momento. En Detroit, a quinientos kilómetros del epicentro house de Chicago de mediados de los 80s, aquellos productores podían tomárselo con más calma. Escuchaban lo que venía de Europa y lo fusionaban con el funk psiquedélico y electrónico autóctono. Juan Atkins, Derrick May y Kevin Saunderon eran tres jóvenes negros de clase media que vivían en un barrio residencial blanco llamado Belleville.
Eran los “príncipes de Belleville”, barrio pudiente a salvo de la crisis de la industria del automóvil que asolaba Detroit, la próspera y feliz Motown de tiempos pasados. Y también vivían alejados de las turbulencias lujuriosas de Chicago. Allí en sus residencias podían dar forma a su música “de la casa”. Viajaban con frecuencia a Chicago para entregarle sus producciones al Ron Hardy para que las probara en su club de house, el mítico Music Box.

En el 1988, coincidiendo con la explosión del acid house en Europa, el house daba muestras de agotamiento en su ciudad de origen; Chicago. Las autoridades estatales y municipales pretendían darle el tiro de gracia a aquella cultura local que tanto éxito estaba teniendo en el viejo continente. Con represivas leyes antiafter cerraron los clubs más vanguardistas y emblemáticos y dejaron en el paro a buena parte de productores y djs de música "de la casa".

Aquel año de euforia housera en el Reino Unido, Virgin iba a publicar el recopilatorio “The House Sound Of Detroit” y su promotor, consciente de que aquello sonaba diferente y buscando el bombazo publicitario, le pidió a Juan Atkins una definición que distinguiera aquella música de Detroit de la música house de Chicago.

A Juan Atkins no se le ocurrió otra cosa que decir que ellos hacían “techno”. Y es que el término “tecno”, abreviatura de “tecnopop”, ya se había utilizado en el continente europeo en la década de los 80s para definir a lo que ahora se conoce como synth pop, pop hecho con sintetizadores de grupos como Visage, Human League y Eurythmics, pop electrónico que nació diez años antes con los pioneros Kraftwerk.
http://www.youtube.com/watch?v=D3ya7j7Faho&search=Eurythmics
Eran esos grupos, precisamente los que habían inspirado a aquellos jóvenes productores de Detroit. Esos grupos y el electrofunk psicodélico y gamberro de George Clinton y Funkadelic/Parliament habían sido la inspiración de los “príncipes de Belleville”.
http://www.youtube.com/watch?v=8Ujs-2DJILc&search=mothership

A Derrick May no le gustó el término techno, pero el house de Detroit ya estaba bautizado y santificado.
http://www.youtube.com/watch?v=yt3QvoF8eK4&search=Derrick%20May
De entonces a ahora ha llovido mucho, pero no tanto como para borrar los profundos surcos que los conceptos house y techno han dejado en nuestros cerebros. Y seguimos calificando a la música electrónica de baile actual como techno o house. O con el ambiguo comodín “techhouse”.
Y aunque seguimos inventando nuevos conceptos, nuevas etiquetas, éstas no han tenido la fuerza de las originales. Por que la música que ahora se hace todavía no ha roto aquel molde.
Voltech sigue aquella senda. Para quien no lo conozca, esta verbena de Sant Joan tiene una muestra en la VP27 en la sala Mephisto de Barcelona. Retomando el ambiente experimental y orgiástico de aquellos clubes pioneros de las ciudades del medio oeste americano, aquellas fiestas que marcaron la senda a seguir por los siglos de los siglos, amen.

http://www.youtube.com/watch?v=snR7dgTXqRk&search=voltechparty

VP25: Voltech Evolution

2006-05-20T18:00:00.000Z

Esta es una muy breve historia de la cultura del ritmo y la percusión, cultura que hinca sus raíces en el continente que vio nacer al género humano: África. La diáspora por el mundo de esta música, definida por esta razón como afro-diaspórica, ha debido vencer la resistencia de la hegemónica cultura europea. Imperialismo, colonialismo, racismo, fascismo y neoliberalismo son ideologías que pretendieron justificar el etnocentrismo y la imposición de la cultura europea sobre las demás.
La actual música electrónica de baile es afrodiaspórica y por ello a menudo ha sido objeto de desprecio y represión, ya desde su mismo origen, pues lo que se conoce como cultura de club nació en la clandestinidad.

El primer club, La Discothèque en rue Huchette de Paris, fue la respuesta en forma de resistencia cultural a la ocupación nazi que prohibió el jazz por considerarlo cultura degenerada propia de una raza inferior. Los amantes de esa música se refugiaron en pequeños salones de baile clandestinos, discotecas, en los que se podían esconder los discos prohibidos y en los que el gramófono y los altavoces ocupaban un espacio más reducido que una orquesta de swing. En aquellas discothéques aparece la figura del dj como personaje subversivo.

Sí, en efecto, la historia de la cultura dj también se puede interpretar como la historia de la resistencia de la afrodiáspora a la hegemónica e intolerante cultura europea. El caso del Rock & Roll (R&R) y Alan Freed descrito en anterior blog “El poder de la Música” es paradigmático.
Diez años después de la explosión del Rhythms&Blues entre los blancos, lo que se conoció como Rock&Roll, aquellos ritmos que definen la música de baile actual siguieron evolucionando por la senda del funk de James Brown en los años sesenta.

En el funk incluso los instrumentos tradicionalmente melódicos “percuten” poniéndose al servicio del ritmo preciso que Brown imponía, incluso multando a sus músicos cuando se equivocaban. Paradójicamente cuando la música disco tomó el relevo al funk, James Brown la criticó por ser demasiado exacta y maquinal.

“I love to love you baby” de Donna Summer (1976) se convirtió en himno de la música disco. Fue el primer tema producido con técnicas de loops, caja de ritmos y sintetizador, donde el sonido instrumental se sobreponía con precisión mecánica a la voz. Fue éste uno de los primeros maxisingle, disco sencillo del tamaño de un LP pero que a diferencia de éste se reproducía a 45 rpm en lugar de 33. La estrofa “I love to love you baby” se alargaba durante 16 minutos entre jadeos y rítmicas repeticiones de sexualidad hipnótica en las que el dj podía despacharse a gusto desarrollando sus incipientes técnicas de mezclado.

El sonido disco se había estado macerando en ambientes subterráneos como The Sanctuary en NYC, templo baptista reconvertido en el paraíso gay del baile y el sexo (1971). En el Santuario la música la pinchaba dj Francis Grasso que desarrolló las técnicas de mezclado consistentes en hacer sonar dos discos simultáneamente o sostener uno de los discos mientras el plato se desliza, para dejarlo ir justo en el momento que cuadra. Y todo esto sin mesa de mezclas ni auriculares, cuando los platos no tenían ajuste de velocidad y la correa del motor se quemaba al ser frenada.

Mientras tanto la música de baile afrodiaspórica seguía evolucionando amplificada en la caja de resonancia de la isla de Jamaica. El Rhythms & Blues había adoptado formas autóctonas evolucionado hacia el dub, el ska y el reggae. Fue un emigrante jamaicano en NYC, Kool dj Herc

quien adaptara esos ritmos al gusto del Bronx, fusionándolos con el funk y con ritmos latinos, e inspirando a la siguiente generación de djs, los que darían forma a la nueva cultura identitaria negra: el hip hop. El hip hop se desarrollaría por el virtuosismo técnico de dj Grandmaster Flash y a través del mestizaje alemán con Kraftwerk y su “Trans Europe Express”, remezclado con maestría por Afrika Bambaataa en su “Planet Rock”.

Y mientras todo esto sucedía en el gueto negro del Bronx, la música afrodiaspórica en su versión disco había pasado de moda y los restos que de ella quedaban seguían evolucionando agazapados como musarañas a la espera de su momento de gloria.

Fue en el gueto del gueto, en el inframundo tres veces marginal; negro, gay y diezmado por el sida del Paradise Garage de NYC donde dj Larry Levan llevó el género disco a una nueva dimensión.
De vuelta a las esencias funk, soul y gospel pero manteniendo las gruesas líneas de bajo, la pasión por el ritmo, los graves y la sensualidad de las voces que habían caracterizado a la música disco. Y tras la fusión con el electropop heredero de Kraftwerk (otra vez la conexión alemana) que llevara a cabo dj Frankie Knuckles,

emigrado desde NYC al Warehouse Club de Chicago, aquella música disco remezclada y superelectrificada ya no se reconocía a si misma. Y como era el tipo de música que sonaba en aquella discoteca se la denominó warehouse: house para los entendidos. Warehouse significa en inglés “almacén” y kraftwerk en alemán significa “central de energía”. Con kraftwerk el “almacén” de la música disco se convirtió en la “central energética” de la música house ¡Y vaya si tenía energía! Aquella central bombeó megavatios de potencia sonora por todo el mundo de la nueva música electrónica de baile. El house reinó y reina en las discotecas vanguardista de todo el mundo, y también fuera de ellas, en las raves, donde es reprimida por la cultura dominante.

Pero la afrodiáspora todavía se podía “electrificar” un poco más. A finales de la década de los ochenta, en un Detroit deprimido por la crisis industrial, otros djs negros escapaban de aquel mundo de violencia y miseria soñando con paraísos artificiales de ritmos perfectos, música puramente maquinal, sin voces y con escasas referencias acústicas. El techno partía de kraftwerk (¡otra vez!) y del funk psicodélico, entre otras influencias, para llegar tan lejos como se lo permitiera la tecnología electrónica del momento. Juan Atkins
fue el primer productor y dj techno y su senda revolucionaria abrirá un abanico de posibilidades que van del technopop meloso de Technotronic a un techno tan duro como las paredes de cemento de las salas en las que se baila.

En el 2006 la evolución de la música afrodiaspórica continúa y a falta de una taxonomía consensuada, las etiquetas se agotan y más que aclarar, confunden. La música tribal que bailaban nuestros ancestros se recrea con los últimos avances tecnológicos. Esta es una de las señas de identidad de la música electrónica de baile. Esta cultura dj que fue rhynthms & blues antes de ser funk, que se convirtió en disco antes de llegar al hip hop, al house y al techno. Esta música que en su evolución ha pasado por sucesivos ciclos de marginación y amplificación. De la clandestinidad a las listas de grandes éxitos, para volver de nuevo al “underground”. De la libertad experimental a la sumisión a las leyes del mercado y vuelta a empezar, esos ciclos de expansión y contracción son otra característica de la música electrónica de baile.
Pero la libertad de experimentación del dj o productor no es ilimitada, y acaba donde empieza la libertad de sus fans. La música de baile afrodiaspórica es democrática por definición, pues la actividad creativa del dj o del productor está sometida a la voluntad de la gente que la baila. La fase de experimentación es de hecho una preselección llevada a cabo en un entorno minoritario y a menudo marginal. El motor de la evolución musical es precisamente esa marginalidad. El rechazo a la música establecida es expresión del rechazo al poder establecido. La afrodiáspora surge de la resistencia de los africanos al poder blanco que los esclavizó y los arrancó de su tierra.

Esta es la característica esencial de la música electrónica de baile, su fundamento afrodiaspórico, que es tanto como decir libertario y evolucionario.

Voltech está en ese punto en el que la música de baile se reinventa a si misma. Su sonido no encaja en las etiquetas al uso por que es expresión libre de esa afrodiáspora que moviliza cuerpos y mentes.

Esa música que el 20 de Mayo tomará las calles en la Life Parade de las 18:00 a las 24:00 horas en el recinto del Forum, y a partir de esa hora seguirá a pocos kilómetros de allí, en la VoltechParty 25 en la sala K-oba de Badalona en la VP25:

“Voltech Evolution”.

VP24: El poder de la música

2006-04-30T23:59:00.000Z

Evolución de genes, música e ideas

El poder es la voluntad extendida más allá del individuo. Como metáfora se puede decir que todos los seres vivos tienen poder en mayor o menor medida, pues interactúan con su entorno, lo colonizan y lo modifican. Otras estructuras aparentemente inanimadas, también exhiben poder replicándose y colonizando su entorno. Estructuras de información como los genes que llevan dos mil millones de años extendiendo sus dominios sobre la Tierra.

Este continuo de replicación y mutación genética es la base de la evolución biológica, y cuando ésta llega a cierto punto, se produce un salto cualitativo y aparecen seres vivos con complejos sistemas nerviosos diseñados para dar respuesta inmediata a los estímulos del entorno.

En el ser humano estos cerebros interactúan los unos con los otros, y estas interconexiones son el sustrato para el crecimiento de nuevas estructuras de información: las ideas.

Estas estructuras de información son capaces de evolucionar reproduciéndose, recombinándose y mutando. Las ideas se codifican y transmiten a través de secuencias de sonidos ordenados: el lenguaje. Las palabras representan objetos y conceptos y se agrupan formando estructuras de información que obedecen reglas de significado.

Pero las ideas no son las únicas estructuras de información que se reproducen en la red de cerebros. Si las ideas se transmiten a través de una secuencia de sonidos ordenados según sus propias reglas del significado (= lenguaje), hay otras estructuras de información que también se transmiten en secuencias de sonidos estructurados según otras reglas de significado; la música.

Pájaros y cetáceos comunican estados de ánimo mediante sonidos que se pueden calificar como cantos, evidenciando que en la evolución antes fue la música que el lenguaje. También el ser humano se comunicó antes con la música que con el lenguaje.

http://www.xtec.es/~cmiro12/articles/mithen.htm

En una simplificación se podría decir que el lenguaje transmite razones mientras que la música transmite emociones. Y es que en la evolución surgió primero el cerebro emocional y después, construido encima, el cerebro racional. La razón se construye sobre la emoción, y no puede haber pensamiento racional desconectado de las emociones.

http://shortlink.co.uk/83d

Experimentamos emociones (miedo, alegría, tristeza) cuando nuestra mente percibe la respuesta corporal a estímulos o recuerdos con carga emocional. Así por ejemplo, pulso y respiración acelerados son respuestas corporales comunes a emociones intensas como el pánico o la euforia.

La emoción de la música

2006-04-30T23:57:00.001Z

Pero la división entre lenguaje racional y música emocional es difusa. En la poesía las palabras suenan musicales despertando emociones. Por el contrario, la música conceptual necesita un “manual de instrucciones” para ser inteligible. De todas las músicas, la de baile es la que despierta emociones más intensas, de euforia y de sentido comunal. La música de baile es música que se escucha con todo el cuerpo; nos hace bailar.

Por el contrario la música de auditorio se escucha desde el reposo de la butaca y si despierta emociones, éstas serán contenidas, reservadas, socialmente aceptables y hasta cierto punto fingidas.

Nuestra sociedad se organiza en jerarquías y en ella la elite dirigente estimula la “reproducción” de las ideas que más le favorecen, básicamente aquellas que perpetúan las relaciones de poder.
En este sentido, la música es un medio de control mental menos eficiente que las ideas. Y la menos provechosa de todas resulta ser la música de baile. Por que la música de baile despierta la euforia que es la emoción de sentirse uno y a la vez parte del todo. Es el éxtasis colectivo, por que “ekstasis” en griego significa “estar fuera de uno mismo”, liberado de las convenciones sociales, liberado de las pautas y comportamientos que sostienen las relaciones de poder. La música de baile, el house y el techno, son músicas “para salirse fuera”, o dicho de forma coloquial; para “ponerse del revés”. Es esa falta de contención lo que despierta las suspicacias del poder.

La música que moviliza

2006-04-30T23:57:00.000Z

Hace medio siglo otro género de música de baile, el rock & roll, también despertó reacciones adversas. A principios de los 50s en los EE UU los negros vivían separados de los blancos. Cada grupo racial había desarrollado su propia música de baile, los blancos el country y los negros el swing en su última expresión; el "rhythm & blues". En un país segregado las ondas de radio traspasaban las barreras raciales.

Alan Freed, joven dj de una emisora para blancos, consciente del éxito de la música negra entre sus jóvenes oyentes, decidió programar medio a escondidas y en horario nocturno rhythm & blues al que bautizó con la etiqueta “rock & roll”. El éxito fue fulminante y Alan Freed empezó a programar festivales de rock & roll en grandes estadios, festivales a los que acudían miles de jóvenes blancos con ganas de bailar.

Para los más conservadores, aquella música suponía una amenaza al statu quo segregacionista en el que los negros ocupaban el estrato social más bajo. Fue en el Boston Arena (1958), cuando una violenta intervención policial contra jóvenes que asistían al festival, fue transmitida y criticada en directo por Alan Freed. Esto le costó una denuncia policial por promover desordenes públicos y el despido de la emisora para la que trabajaba. Posteriormente una investigación policial encontró supuestos pagos ilegales de las compañías discográficas. Alan Freed pago un alto precio por su osadía y el rock & roll fue criminalizado.

Pero esta música acabará siendo la música más escuchada tras "blanquearse", sacrificando el componente africano más bailable en beneficio de un discurso cantado. Así nació el rock, como fusión de rock & roll negro y folk blanco. El rock es una música más ajustada a la tradición occidental, música más melódica y discursiva, con mensaje para ser escuchado en concierto y no tanto para ser bailado.

Hoy en día parece producirse un fenómeno parecido con la música dance. El techno y el house, para salir del gueto y para acercarse al gusto dominante, abandonan su componentes más extático. Se fusionan con el rock y el pop y se vuelven melódicos y discursivos. O devienen mínimal, abandonando la carnalidad de los graves profundos, las líneas de bajos, bombos, ritmos frenéticos y efectos impactantes.

El sonido Voltech evoluciona sin perder su esencia de música de baile. Se trata de provocar estados alternativos de conciencia, éxtasis en el que el baile impulsa un sentido colectivo integrador que disuelve identidades.

¿Por qué bailamos?

2006-04-30T23:56:00.000Z

Pero volviendo al tema central de este ensayo, el antropólogo John Blacking encuentra una respuesta convincente a la cuestión de cual es el poder de la música.

http://sapir.ukc.ac.uk/QUB/Introduction/I_Blacking.html

Estudiando a los venda, tribu sudafricana con dotes musicales, dedujo que la música NO es un lujo prescindible. El grupo para sobrevivir necesita reproducirse, cooperar y explorar. Estas son tareas productivas en las que los miembros de la tribu exploran y explotan su entorno. Pero esta explotación del medio ambiente, para que sea sostenible debe hacerse con contención. En los necesarios periodos de descanso, los miembros del grupo se entregan a la música y el baile.

El baile es un elemento de cohesión, de exploración compartida y de amor comunal. Esas funciones sociales de cooperación, exploración y amor son esenciales para la supervivencia del grupo, y es necesario mantenerlas incluso cuando no existe la presión por la supervivencia. Así la música actúa cohesionando al grupo en los momentos de ocio, cuando la presión de las necesidades productivas se relaja. Este es el poder de la música de baile, cohesionar al grupo cuando por imperativos ecológicos las necesidades de producción se han de relajar. Con el agotamiento de recursos energéticos y el recalentamiento del planeta, las autoridades mundiales debieran aprender de esas tribus que llevan miles de años en armonía con su medio ambiente.

La expansión de la música electrónica de baile por todo el mundo no es un síntoma de decadencia global que deba reprimirse o tolerarse de mala gana. La música electrónica de baile es ocio compartido, y en este sentido es tan necesaria para la supervivencia de la aldea global como lo pueda ser la propia actividad productiva.

En la novela “Ecstasy”, de Irvine Welsh, ambientada en la cultura hedonista del house y el éxtasis del Reino Unido, donde el gobierno conservador se decidió a reprimirla con inquina, Lloyd decía:

“El dinero para copas y para drogas no es un lujo. Es jodidamente necesario (...) Por que somos animales de mierda, sociales y colectivos y necesitamos estar juntos y divertirnos. En esto consiste estar vivo. Es nuestro derecho. Este gobierno nos da por el culo por que son yonkis del poder, son incapaces de pasar un buen rato. Por eso quieren que todos los demás se sientan culpables, se queden en sus niditos y dediquen sus inútiles vidas a incubar para el Estado a la siguiente generación de obreros, soldados o parados.”

Con ese resentimiento lo expresaba Lloyd, pero dicho de modo más amable, la música electrónica de baile puede reconciliar al género humano consigo mismo y con el planeta que lo contiene. Éste es “El Poder De La Música” que vamos a celebrar el domingo 30 de Abril en la sala Mephisto C/Roc Boronat 33 Poble Nou, BCN, en la VoltechParty24.

VP23: imaginando el futuro

2006-04-01T23:59:00.000Z

¿Es este el mundo que imaginábamos? Cambio climático. Emigración ilegal. Vivienda inaccesible. Terrorismo. Escasez energética. Guerras mentirosas. Ordenanzas para el civismo que desatan el incivismo. Prohibido mendigar. Prohibido beber. Prohibido hacer la calle ¿Prohibido divertirse? Tiempos difíciles para la libertad.

El futuro siempre se vio más negro que blanco. En 1948, desencantado con la revolución popular, Orwell imaginaba un “1984” donde el Gran Hermano ejercería un control absoluto sobre la población. La realidad le va dando la razón salvo en un detalle, no es un gran dictador quien controla y reprime sino los representantes democráticamente elegidos por poco más de un tercio de una población cada vez más atemorizada e intolerante. El mismo año 1984, la película Brazil insistía en un futuro de pesadilla en el que el terrorismo servirá de excusa para implantar una represión burocratizada.

Pero volvamos a la era dorada de la ciencia ficción. Los 50s y 60s fueron años de prosperidad económica pero también de guerra fría (y caliente). Los mismos cohetes que ponían a un hombre en el espacio, podían llevar una cabeza termonuclear a cualquier punto del planeta. Así es que el futuro se presentaba en forma de holocausto nuclear o de escapada a otros mundos.

Blade Runner (1982) imaginaba un 2019 de viajes espaciales que despegaban de un planeta multirracial, superpoblado y contaminado, por el que pululaban mutantes a los que había que identificar y eliminar. Nuestro mundo se le va pareciendo, aunque no hace falta ir al espacio a buscar mutantes a los que perseguir. Resulta más fácil criminalizar a esta creciente legión de excluidos que tenemos más cerca, por si acaso la pobreza fuera contagiosa. Para profecías pesimistas las de Stanley Kubrick que imaginaba un holocausto nuclear por accidente en Dr Strangelove (“Teléfono rojo” 1964). Y es que quien juega con fuego acaba quemándose.
En “La naranja mecánica” (1971) Kubrick profetizaba otro futuro de jóvenes psicópatas que hacían de la violencia un arte. Las instituciones penitenciarias los reeducarán utilizando terapias aversivas que no son otra cosa que torturas investidas con el rigor científico. -

En “2001, una odisea espacial” (1968) Kubrick imaginaba el encuentro con seres extraterrestres de inteligencia incorpórea. Esos seres superevolucionados eran espíritus bondadosos que ayudarían a la humanidad a superar sus instintos belicosos. Más humanos parecen los marcianos de “Mars Attacks” (1996) de Tim Barton, que se comportarán como terrenales conquistadores, utilizando su superioridad tecnológica para masacrar a los indígenas. -

En “Fahrenheit 451” (1966), la obra de Ray Bradbury en versión de Truffaut, los bomberos del futuro se dedicarán a quemar libros y a arrestar a quienes los poseen. En ese futuro las drogas serán legales y los libros ilegales, considerados como peligrosos estimulantes del cerebro. Los libros convierten a quienes los leen en seres insociables y por consiguiente peligrosos, descreídos que desconfían de la verdad que la televisión impone.

El futuro que nos ha tocado vivir se parece bastante a alguna de estas profecías. La creciente desigualdad social, el éxodo migratorio, el agotamiento de los recursos energéticos y el efecto hivernadero son problemas que amplifican los conflictos que estas profecías predecían: jóvenes frustrados y violentos, recorte de libertades a cuenta de la seguridad nacional (terrorismo) y la salud pública (drogas), intensificación del control mental a través de los media. Para hacer más llevadero este futuro que ya se hace presente aparecen nuevas comunidades. Subculturas cuyos miembros se consuelan compartiendo aficiones e intereses comunes. Subculturas conectadas a través de Internet, ese ente que ningún profeta de la ciencia ficción predijo.

Las experiencias de catarsis colectiva a través de la música electrónica de baile aglutinan una de estas subculturas. El clan Voltech se reunirá el próximo sábado 1 de abril en la VoltechParty 23, en la sala K-Oba de Badalona, para materializar el mejor futuro posible. Un futuro de diversión y alegría compartida.

VP22: Rebelde sin pausa

2006-03-04T23:56:00.000Z

Estar de fiesta en Voltech es sentirse bien. Es la celebración de la vida, la alegría de vivir sin miedo al porvenir y sin renunciar a lo que uno es.

Sin más necesidad que la de compartir con los demás los buenos sentimientos. Sentirse brillante y comunicativo. Como un brillante que refleja en destellos la luz que le rodea. Como la bola de espejos que gira

proyectando un planetarium estrellado y envolvente

Luces de artificio para ambientar una música que te mueve. Sonidos e imágenes que recrean un paraíso sensorial.

Toda creación humana es artificial, por definición, y la mejor de todas es el paraíso. Voltech es un paraíso artificial.
"Stupor" en latín significa maravilla y estupefaciente significa maravillante. La técnica también sirve para recrear paraísos que provocan estupor. Pero el paraíso artificial está limitado en el tiempo y el espacio, y más allá de sus dominios la aridez se impone.

Una parte de la ciudadanía, y los políticos que la representan, considera que la ciudad ha de ser un entorno tranquilo y ordenado. Quieren vivir en una ciudad escaparate, donde se mira y se compra, pero no se toca. Quieren vivir en una ciudad silenciosa como un dormitorio. Quieren vivir en una ciudad donde la autoridad se imponga con disciplina.

Pero una ciudad para merecer ese nombre ha de ser algo más que un frío escaparate, un dormitorio o un cuartel. Ha de ser la ciudad de las personas, de todos y para todo, lúdica, diversa, participativa, tolerante y creativa. Hace siglo y medio cantaba el poeta urbanita:

Soy Walt Whitman, un cosmos, el hijo de Manhattan,
tormentoso, carnal y sensitivo: como, bebo y engendro.

(...)
Surgirá un nuevo orden
y sus hombres serán
los sacerdotes del hombre,
y cada hombre será
su propio sacerdote.
(...)
doy la señal de la democracia,
nada aceptaré, ¡lo juro!, si los demás
no pueden tener su equivalente
en iguales condiciones.

VoltechParty es parte del nuevo orden al que cantaba Walt Whitman. Un paraíso donde el dj será el sacerdote de tod@s y tod@s seremos nuestros propios sacerdotes.

Lo único que permanece es el cambio (Heraclitus dixit) y VoltechParty forma parte de este cambio permanente, del "New Order" que se revela y se rebela.
Rebelde Sin Pausa en la VP22, el 4 de Marzo a partir de las 23:59 en Allen Roc, carretera de Esplugues 225 Cornella BCN. En una fiesta diferente para un mundo diferente.

VP21: Mamá...quiero ser DJ

2006-02-04T23:55:00.000Z

Este año se cumple el primer centenario de la música electrónica. En el 1906 se presentaron al mundo los dos inventos que revolucionarían la música del futuro: el primer órgano eléctrico, conocido como telharmonium y el primer amplificador electrónico basado en tecnología de lámparas de vacío.

Esta historia es la historia de la música electrónica desde su incubación en el regazo del poder hasta su actual expansión y democratización, cuando un poco de voluntad basta para que cualquiera pueda producirla y divulgarla. La VP21 es un homenaje a los nuevos creativos que tanto nos hacen disfrutar, a aquellos que sintieron la llamada de la música electrónica: “mamá, quiero ser DJ”.

Tecnología útil, tecnología lúdica

Todas las tecnologías nacieron para cubrir necesidades básicas. Cuando esas tecnologías llegaron a la madurez empezaron a satisfacer otras necesidades lúdicas. Así fue con la escritura o la máquina de vapor. Los primeros escritos, hace 6 o 7 mil años, eran contabilidades fiscales y contratos de compra/venta, luego aparecerían los textos sagrados y mitológicos. La tecnología de la máquina de vapor se ideó para transportar mercancías y trabajadores, pero luego daría paso a usos lúdicos originando el turismo de masas.

El inicio de la electrónica

La bombilla y el motor eléctrico fueron las primeras aplicaciones de la electricidad. Probando con una bombilla con el filamento roto, Edison descubrió el primer dispositivo electrónico. Aumentando el voltaje, la corriente eléctrica saltaba y se restablecía, pero sólo en una dirección. Así apareció el primer rectificador electrónico que convertía la corriente alterna en continua.

Mientras tanto, la transmisión telefónica a larga distancia necesitaba de potentes señales eléctricas. A partir de la bombilla de Edison se desarrollaría en el 1906, hace justamente un siglo, la primera lámpara de vacío que funcionaba como un amplificador de la señal eléctrica. La segunda aplicación práctica del amplificador tuvo usos más lúdicos en los circuitos electrónicos de tocadiscos, radios y televisión. En el caso de la electrónica, de nuevo se da el tránsito del uso utilitarista al uso lúdico.

Prehistoria

También hace justamente un siglo, en el 1906 se puso a punto el primer instrumento musical eléctrico: el telharmonium. Su inventor desconocía los progresos paralelos en amplificación, así es que conseguía un sonido potente a base de antigua tecnología eléctrica, con 145 rotores y dinamos de considerable tamaño.
Esos rotores generaban corriente alterna de diferentes frecuencias, produciendo arcos voltaicos que hacían zumbar el aire circundante reproduciendo la escala musical.

El telharmonium era un monstruo de 200 toneladas y 18 metros que ocupaba toda una planta en el nº 535 de la 56th Street en West Manhattan. A diferencia de los instrumentos que le seguirían, el telharmonium pertenece a la prehistoria pues fue desguazado antes de que su sonido pudiera ser registrado.

VP21: Mamá...quiero ser DJ (continuación)

2006-02-04T23:54:00.000Z

Los primeros pasos de la electrónica

Las potencias de la época vieron en la electrónica un medio para mostrar su musculatura tecnológica. La música producida y reproducida por medios electrónicos ejemplificaba la síntesis entre arte y tecnología. Las naciones de vanguardia competían por la supremacía mundial con sus nuevos artilugios electrónicos.

Así en la Rusia revolucionaria se desarrollaría el theremin, instrumento que se tocaba sin tocarlo. Compuesto de dos antenas emisoras, creaba sonidos de diferentes tonos por interferencia entre las ondas de ambas antenas.

http://labfiz.uwb.edu.pl/ptf/echa/w_siwak/audiosfera/video/theremin.avi

La frecuencia y volumen del sonido se regulaba con el movimiento de las manos. Impresionado con el invento, Lenin mandó construir 600 unidades para difundir la nueva fe en el progreso. Esos theremines acompañarían a las orquestas soviéticas en sus giras por el basto imperio ruso.

Su enigmático sonido, a medio camino entre la voz humana y el violín, le convertirían en la banda sonora de las películas de ciencia ficción de serie B de los 50s.

Recientemente el sonido del theremin ha sido recuperado por el grupo de trip hop Portishead.

http://www.halvorsen.org/audio/samples/mystsample.mp3

Pero volviendo a principios de siglo, en Italia el movimiento futurista, uno de los pilares ideológicos del fascismo, incorporaba sonidos maquinales a la música. Su "arte del ruido" (Art of Noise) fue el principio de la música concreta. Estos románticos tecnófilos trataban de "Incorporar a los grandes y centrales temas del poema musical el dominio de las máquinas y la victoria del reino de la Electricidad".

Pero esta lírica del progreso tenía un lado siniestro cuando añadían: "Queremos glorificar la guerra -única higiene del mundo- el militarismo, el patriotismo, el gesto destructor de los libertarios, las bellas ideas por las cuales se muere y el desprecio de la mujer."

En el 1932 en Alemania, la Orquesta Electrónica del Instituto Heinrich Hertz emitía para todo el país desde un teatro de Berlín.

La Orquesta se componía de dos theremines, un trautonium, un hellertion, un Gran Piano Neo-Bechstein, un gran piano eléctrico, un violín eléctrico y un cello eléctrico, una amplia muestra de la nueva tecnología electrónica alemana. El trautonium, que tenía este aspecto

sonaba así
http://www.obsolete.com/120_years/machines/trautonium/audio/traut2.wav

Mientras tanto en los Estados Unidos la compañía telefónica Bell ponía a punto un sistema capaz de analizar y sintetizar la voz humana. En su presentación pública en la Feria Mundial de 1939, el vocoder sonaba así:
http://www.obsolete.com/120_years/machines/vocoder/voder.au
El vocoder fue popularizado por Cher en el fulgurante éxito de 1998 'Believe'.

VP21: Mamá...quiero ser DJ (final)

2006-02-04T23:52:00.000Z

La electrónica llega al pop

Pero volviendo a mediados del siglo XX, estas primeras y costosas evoluciones de la música electrónica fueron patrocinadas desde el poder económico y político. Esto cambiaría a partir de los 60s con innovaciones como el sintetizador Moog basado en la nueva tecnología del transistor. Las bandas de rock y de pop empezaron a electrificarse e incorporar teclados electrónicos.

La revolución bailada

Pero la verdadera revolución llegó de la mano de la TB303, un sinte de líneas de bajo fabricado por Roland en 1982, que por su difícil manejo y bajas prestaciones no aguantaría ni dos años en el mercado.

Cinco años después de ser retirado, en el 1987, dj Pierre compraba a precio de chatarra una TB303. Se le ocurrió hacerla chirriar a base de retorcer sus controles. De allí salió un sonido que recordaba remotamente a un bajo, y que al ser acelerado, subía de tono hasta convertirse en un chillido burbujeante y penetrante. Así nació el sello de identidad del acid house. Una muestra en:
http://download.keyboards.de/2004/01/401095/bassline_realtb303.mp3
Su sonido acelerado provocaba una excitación y un frenesí comparable a la subida de un ácido.

La TB303 y el nacimiento del Acid House conquistaron el corazón de la nueva generación. Periodistas y autoridades, pensando que el acid house era una música que acompañaba la ingesta de ácido (LSD), decidieron reprimir sus manifestaciones. Pero no era LSD lo que también se estaba expandiendo en aquellos momentos. La popularización de la música electrónica conocida como Acid House coincidió en el tiempo con la popularización del Ecstasy.

Hablando de ácido, resulta que este año es el centenario de Albert Hofmann, investigador de Sandoz (actual Novartis) y descubridor del fármaco más potente y especifico jamás sintetizado: el LSD, conocida popularmente como ácido lisérgico o ácido a secas. Feliz centésimo cumpleaños Dr. Hofmann!

La tecnología farmacológica ha evolucionado como lo hicieron sus predecesoras. Nacida con fines utilitarios (terapéuticos), su aplicación se ha ido extendiendo hacia los usos lúdicos. Desgraciadamente esta democratización todavía se percibe desde el poder como una amenazante epidemia en expansión que se debe atajar a base de recortar derechos y libertades.

Confusión y represión

La popularización de la música electrónica de la mano del Acid House, coincidió en el tiempo con la expansión del uso lúdico del ecstasy. Erróneamente algunas autoridades establecieron una relación causal entre uno y otro fenómeno y en su confusión abogaron por prohibir los festivales de música electrónica.
http://shortlink.co.uk/748
No hay relación causal, pero SÍ hay relación casual, esto es, de coincidencia, pues los fenómenos del house y del éxtasis se propagaron en paralelo. El consumo de cualquier droga supone riesgos y el ecstasy no es una excepción, bien es cierto que la ingesta de cacahuetes todavía supone un riesgo mayor!
http://www.thegooddrugsguide.com/ecstasy/dangers.htm

Un ejemplo palmario de la confusión entre música electrónica y drogas lo da el testimonio del inspector Brown en el juicio a los organizadores de una fiesta en Dundee, Reino Unido en 1989.

Juez: ¿Qué es la música acid house?
Inspector Brown: La he visto en Top of the Pops. No es más que barullo, un ruido que no para nunca. No tiene ritmo ni letra, pero parece que es la moda ahora.
Juez: Si hubieran pinchado música country o temas de los Beatles, ¿habría sido distinto?
Inspector Brown: Es probable.
Juez: ¿De qué quiso usted acusarlos?
Inspector Brown: Después de oír el tipo de música que ponían, mi intención fue acusarlos de acuerdo con la Ley de Abuso de Drogas.

(Extraído de “Estado Alterado”: http://www.primeravistalibros.com/fichaLibro.jsp?codigo=540).

Estos contratiempos no impidieron que la música electrónica ganara adeptos y reuniera la concentración más numerosa jamás vista

mas de un millón de seguidores en la Love Parade de Berlín, y sus réplicas en diferentes capitales del mundo.

La música electrónica de baile sigue imparable su camino, evolucionado en más de un centenar de subgéneros.

El sonido Voltech es una muestra más de esta evolución. En la sala Allen Roc de Cornellá, en el 225 de la Avenida de Esplugas, a diez minutos de Barcelona, el sábado 4 de Febrero a partir de las 23:59, la VoltechPary 21 será lo último en electrónica creativa, sensitiva y participativa.

VP21 : ”Mama...quiero ser DJ”, una fiesta diferente para un mundo diferente

VP20: 7 de Enero en La Cova

2006-01-07T12:02:00.000Z

Este sábado 7 de enero de 2006 VoltechParty celebrará su VP20 Winter Edition en La Cova de Corbera de Llobregat. En esa fría noche invernal volveremos al refugio de la cueva, como hicieron nuestros ancestros al calor del fuego. Eran tiempos glaciares y la hoguera supuso la primera gran revolución tecnológica.

Los restos más antiguos que atestiguan el dominio del fuego se localizan precisamente en una cueva china, en Zhoukoudian. En sus sedimentos de 300.000 a 500.000 años de antigüedad se hallaron materia orgánica, huesos y útiles de piedra con signos de haber sido quemados intencionadamente.

Pero el gran salto tecnológico de nuestra era moderna se produjo con la revolución industrial del siglo XVIII. La máquina de vapor fue el corazón de aquella revolución, con su capacidad para convertir la energía térmica en energía mecánica transformando el calor del fuego en movimiento.

El progreso tecnológico se habría detenido en aquel punto si no se hubiera producido otro avance trascendental. Fue el 7 de enero de 1791 cuando La Asamblea Constituyente francesa aprobó la primera ley de patentes de invención.

Con esta ley la burguesía revolucionaria que había ocupado violentamente el poder, legisló la explotación en régimen de monopolio de aquellos inventos que uno hubiera financiado con su propio dinero. Sin esa garantía sobre las inversiones en investigación y desarrollo, no habríamos asistido a la explosión de innovaciones tecnológicas de los siglos venideros.

Si la primera revolución industrial transformaba la energía térmica en mecánica mediante la máquina de vapor, la segunda revolución industrial fue un paso más allá al transformar dicha energía mecánica en energía eléctrica.

Las versiones arcaicas de los actuales sistemas de luces y sonido fueron la bombilla y el fonógrafo.

Su inventor, Thomas Alva Edison, fundó la General Electric, una de las mayores compañías del mundo. Pero los inventos de Edison no habrían pasado de ser curiosidades de barraca de feria sin la aportación de otro gran inventor y colaborador suyo, el ingeniero Nikola Tesla, que dejó este mundo precisamente un 7 de Enero de 1943.
La corriente eléctrica llegó a muchos hogares y alimentó los artefactos ideados por Edison gracias a dos inventos de Tesla, a saber: el motor de inducción de corriente alterna que transforma el movimiento giratorio en corriente eléctrica y el sistema polifásico que permite el transporte de dicha corriente a largas distancias. Ambos alardes de ingeniería mostraron su esplendor alimentando la espectacular iluminación de la Columbian Exposition de Chicago de 1893
La rivalidad entre el maestro Edison y su pupilo Tesla por el mercado potencial de la recién inaugurada segunda revolución industrial, la revolución eléctrica, acabó con el abandono (¿expulsión?) de Tesla de la General Electric para pasar a trabajar en la compañía rival Westinhouse.

VP20 Progresos técnicos y retrocesos éticos (continuación)

2006-01-07T12:01:00.000Z

La guerra entre ambos ingenieros y entre ambas compañías por el control del recién nacido mercado eléctrico tuvo una consecuencia indeseable.

Tesla había inventado el generador de corriente alterna (c.a.) y el sistema para transportar dicha corriente a largas distancias, pero antes Edison había ideado un sistema similar basado en la corriente continua (c.c.). Gracias a la ley de patentes, cuya primera muestra fuera aprobada en Francia precisamente un 7 de enero de 1791, cada uno disponía del monopolio para explotar su propio sistema de generación y distribución eléctrica. La evidencia experimental demostraba que el sistema de Tesla basado en la c.a. era más eficiente y seguro que el sistema de Edison basado en la c.c.

En aquel final del siglo XIX, las técnicas del marketing y de las relaciones públicas empezaban a despuntar, y Edison consideró que la puesta a punto de una máquina "moderna" para la ejecución de presos basada en la c.a. de Tesla, sería una propaganda negativa que desacreditaría el invento de su rival.

La silla eléctrica se impuso a pesar de ser (o quizás por eso) uno de los métodos de ejecución más brutales, sólo comparable en crueldad a la muerte en la hoguera. La tecnología de la silla eléctrica se probó con gatos y perros, pero su puesta de largo se llevó a cabo en Nueva York con la ejecución del primer ser humano, el reo William Kemmler en 1890. Pero por su espectacularidad, la electrocución más famosa fue la de la elefanta Topsy en el 1903.
Este animal del zoo de Nueva York había matado a tres personas y su ejecución fue todo un espectáculo.

Se consideraba que la silla eléctrica era más humana que la horca, pues el condenado moría sentado. Nada más lejos de la realidad. La electrocución duraba varios minutos y provocaba el vaciado de todos los esfínteres y la eyección violenta de vómitos y orines al vibrante ritmo de 40 revoluciones por segundo, fluidos orgánicos a presión que traspasaban las tramas de la ropa. Las órbitas de los ojos reventaban y el cuerpo se calentaba a temperaturas superiores a los 60 grados. Saltaban chispas de los electrodos carbonizando las superficies de contacto y desprendiendo columnas de humo que viciaban el aire con su nauseabundo hedor a carne quemada.

La silla eléctrica fue producto de las rencillas entre Tesla y Edison, e ilustra la parte oscura de la segunda revolución industrial. La parte brillante fue el invento de los electrodomésticos y la consiguiente liberación del ama de casa de las tareas más tediosas del hogar.

Pero incluso estos avances tuvieron su claro-oscuro. La servidumbre que sufría la mujer en aquel modelo social machista, hizo que esa mayor disponibilidad de tiempo se tradujera en un pluriempleo en puestos precarios y mal pagados. Muchas siguieron con las faenas del hogar cada vez menos valoradas. Otras empezaron a trabajar fuera de casa sin recibir ninguna ayuda en sus labores domésticas ni reconocimiento especial, y se sintieron explotadas. Tanto unas como otras tenían razones para sentirse deprimidas. Así la revolución de los electrodomésticos trajo aparejada una revolución farmacológica, la de los antidepresivos dirigidos específicamente a aliviarlas.

VP20 Progresos técnicos y retrocesos éticos (continuación)

2006-01-07T12:00:00.000Z

El Dexamyl contenía anfetamina y un barbitúrico, y se anunciaban con la imagen de una sonriente ama de casa pasando el aspirador, elegantemente vestida
Fue el movimiento de liberación feminista el que mejoró el estado anímico de las mujeres. La revolución feminista de los 60s restó utilidad a estos antidepresivos. Esta nueva realidad social unida al vencimiento de las patentes de los anfetaminas, supuso que la industria farmacéutica perdiera su interés en ellas. Para hacer hueco a nuevos antidepresivos patentados, empezaron a destacar los efectos indeseables asociados al uso crónico de esos viejos antidepresivos.

El cruce entre intereses farmacéuticos y el movimiento de liberación de la mujer precipitaría la caída de las anfetaminas en el pozo negro de la prohibición. Allí se encuentran el cannabis, la coca y el opio, sustancias que han sido utilizados con fines medicinales desde el origen de los tiempos.
El Dexamyl y el actual speed callejero comparten el mismo principio activo. Resulta escandaloso que la anfetamina que había sido recetada con tanta generosidad durante tantos años, ahora sea perseguida con tanta inquina.

Si la silla eléctrica como cruel método de ejecución muestra el lado siniestro de la electrificación, el caso de las anfetaminas ilustra el lado siniestro del desarrollo farmacológico. Y es que la tecnología NO tiene moral, pero su aplicación práctica sí. La persecución del uso lúdico de un fármaco que como la anfetamina fue pródigamente recetado tan solo algunas décadas antes, es una muestra de autoritarismo éticamente reprobable.

Pero dejemos de lado esos retrocesos éticos y centrémonos en lo positivo del progreso. El caso es que en la madrugada del 7 al 8 de Enero de 2006, noche del sábado, podremos disfrutar de la VP20 en el refugio cavernícola de La Cova. El fuego primigenio se convertirá en miles de vatios de sonido y luz, energía producida y trasportada gracias a los inventos de Nikola Tesla, del que celebramos el aniversario.

En una posterior transformación mágica esa energía eléctrica se convertirá en energía psíquica. Serán los chamanes de la electrónica Xavi BRK Mendel Live y Elek-Fun los artífices de esa magia. Ellos nos pondrán las pilas: y nos harán saltar en la pista de baile en una eufórica comunión colectiva, fiestón de sonido y ambiente que convertirá la fría madrugada del 7 al 8 de enero en la fiebre del sábado Voltech.

El corazón del dragón Voltech latirá en la cueva de la montaña, en La Cova de Corbera, en La VoltechParty 20, Winter Edition de este 7 de enero. Una fiesta diferente para un mundo diferente.

VP19 de Año Nuevo: Amanece en Voltech

2006-01-01T15:00:00.000Z

El primer día del año, el día de año nuevo. La vida se mide en años, y aunque cada cual tiene su aniversario, el día de año nuevo es el aniversario de todos. Es el día en el que celebramos el cumpleaños del mundo.

Año nuevo, otro año nuevo, día de retorno al punto de partida. A partir de ese momento el Sol repetirá su posición en la cúpula celeste. Día de sentimientos contradictorios, alegría por el nuevo año lleno de oportunidades, y tristeza por el año acabado con sus posibilidades perdidas. Sensación de atrapado en el tiempo

montados en la nave Tierra en un tío vivo sideral que gira y gira alrededor de la cegadora bola luminosa, dios Samash de los babilonios, Atum-Ra de los egipcios, Helios de los griegos, y Viracocha de los incas.

El día de año nuevo es el cumpleaños del mundo: es el día en el que la tierra completa su vuelta alrededor del sol. Este día se celebra la renovada fidelidad del sol que repite el ciclo anual. El sol que alimenta con su luz a las algas y a sus descendientes terrestres: plantas de la vida, seres autistas que extienden verdes láminas para capturar cada rayo de luz solar. Esos seres vivos que son el primer alimento de la biosfera
Las plantas, como nosotros, también aprendieron a celebrar la fidelidad del astro rey, y lo hicieron con gran exuberancia. Si nosotros festejamos el año nuevo y cualquier otro acontecimiento de periodicidad anual con fuegos artificiales

las plantas con flores con sus 250.000 especies frente a unas pocas cientos de coníferas y helechos, son el último eslabón evolutivo y son las reinas del mundo vegetal. Ellas aprendieron a fabricar y detonar con periodicidad anual su pirotecnia de colores y fragancias.

Pero volviendo al ciclo anual cuyo inicio celebramos el 1 de enero, la aparición de los primeros calendarios coincide con la aparición de las primeras civilizaciones, hace unos 6000 años. Descifrar las señales del cielo no fue tarea fácil. No fue consecuencia de la contemplación ociosa de la cúpula celeste. No fue el aburrimiento de una noches sin luz eléctrica ni televisión lo que empujó a observar e investigar los ciclos astrales. Tampoco fue una curiosidad excéntrica alejada de cualquier aplicación práctica. El conocimiento de los ciclos astrales era condición imprescindible para la supervivencia del género humano.

La organización del ser humano en complejos sistemas estatales se fundamentaba en la intensificación agrícola necesaria para alimentar a una población creciente. Y para que esta intensificación productiva se desarrollara, era necesario conocer los ciclos de la vida de las plantas y de crecida de los ríos. Y los ciclos de la vida vienen determinados a su vez por el ciclo de luz solar, esto es, el ciclo anual en el que las estaciones se repiten.

El primer problema que se encontraron fue determinar el ciclo anual en el que el sol volvía a pasar por la misma posición de la cúpula celeste. Ese tiempo se podía contar en días, siendo un día el tiempo que tarda la tierra en girar sobre si misma. Y también en ciclos lunares (meses lunares), que es el tiempo que tarda la Luna en dar una vuelta alrededor de la Tierra, medida en lunas llenas consecutivas.

Los tres astros giran uno alrededor de otro en ciclos perfectos, pero que no cuadran entre sí. Así el año solar es de 365 días, 5 horas, 48 minutos y algunos segundos, y el mes lunar es de 29 días, 7 horas, 43 minutos y varios segundos.

Roma ideó primero el año de 355 días, con 12 meses que tenían 28, 29 o 31 días. Para corregir el descuadre de algo más de 10 días que se producía cada año, cada dos años se incorporaba un nuevo mes de 22 o 23 días justo antes del inicio del año nuevo, que en Roma se celebraba el 1 de marzo. Así el mes de marzo era el mes uno, y los meses de septiembre, octubre, noviembre y diciembre coincidían con el séptimo, octavo, noveno y décimo, de ahí sus nombres.

Fue Julio Cesar quien reformó el calendario para evitar esos años de 13 meses. El calendario Juliano tiene 365 días y añade un día más cada cuatro años para corregir el retraso anual de 5 horas y 48 minutos. Además trasladó el inicio de año al mes de Enero. En honor a Julio Cesar el mes quintilis paso a llamarse Julio, y en honor de su sucesor Cesar Augusto, el sextilis paso a llamarse Augusti.

Nuestro actual calendario, el gregoriano, es idéntico al juliano, salvo en que incorpora una mayor precisión en el cálculo de los bisiestos: si el año es divisible por 100 dejará de ser bisiesto, y volverá a serlo si es divisible por 400.

Así pues el ajuste fino entre ciclo terrestre (día) y solar (anual), tuvo que desentenderse del ciclo lunar (mensual), que descuadra sistemáticamente, pues la luna nunca tiene el mismo brillo ni ocupa el mismo lugar en un periodo mensual.
Toda la vida tiene su origen en el sol. Hace 4000 años los babilonios celebraban el año nuevo durante 11 días consecutivos, superando a la rave más dislocada.

El día de año nuevo inicia el renovado ciclo solar y por eso es el cumpleaños del mundo. El día de año nuevo es el aniversario de todos. Por eso vamos a empezar a celebrarlo cuando claree el nuevo día del nuevo año 2006, a las 7 de la mañana.
Amanece en Voltech, VP19 en Cotton Sugar de Sabadell, a 15 minutos de Barcelona en coche o en tren (al lado de la estación Sabadell Sud), en dos preciosas salas, con dos programas matinales de música electrónica de baile, para que los adoradores de la vida puedan celebrar el eterno retorno del Sol como merece: con una explosión de alegría colectiva.